FRAMED Berlin hatte vor einigen Jahren das Vergnügen, deine Arbeiten auszustellen. Damals waren deine Bilder materiell dichter, enthielten konkrete Formen und Gesten, die eher dem Zeichnen ähnelten. Deine aktuellen Arbeiten gehen ganz anders mit dem Raum um. Könntest du uns etwas über die Entwicklung deiner Bilder in den letzten Jahren erzählen? 

Katsuhiko: Malen ist für mich sowohl eine körperliche als auch eine spirituelle Handlung. In diesem Sinne spiegeln meine Bilder meine Beziehung zur Welt wider. Zur Zeit meiner Ausstellung im Jahr 2021 fühlte ich mich sehr isoliert. Als ich als Ausländer in Deutschland lebte, versuchte ich verzweifelt, mich zu schützen, und ich glaube, dass sich diese Anspannung in meinen Arbeiten zeigte. Seitdem habe ich meine eigenen Wurzeln in Japan wiederentdeckt und bin offener und großzügiger gegenüber mir selbst und der Welt geworden. Ich glaube, dass sich diese Veränderung in meinen Gemälden widerspiegelt. 

Wenn man deine Bilder betrachtet, ist man versucht, sich eine Geschichte oder Szene auszudenken; man verspürt den Drang, Formen, Gesten und Farben eine Bedeutung zuzuweisen. Wie stehst du zu diesem Drang? Was treibt dich beim Malen an, und in welcher Beziehung stehen Bild, Impuls und Vision zueinander?

Katsuhiko: Ich möchte, dass meine Bilder Raum für Interpretationen bieten – so etwas wie ein Zeichen für etwas, das gerade im Entstehen begriffen ist. Ich möchte eine Empfindung erzeugen, bei der Formen oder Bilder beinahe erscheinen und sich dann wieder auflösen. Farben, Texturen und Formen verflechten sich organisch und bilden eine Struktur, die ständig in Bewegung ist – fast wie ein Ökosystem. Das entsteht nicht aus einem konkreten Bild, sondern aus der Dynamik der Elemente, aus denen das Bild besteht. Dennoch habe ich nicht die Absicht, rein abstrakte Gemälde zu schaffen. Ohne eine größere Struktur oder einen Rahmen würden die Elemente auseinanderfallen. Deshalb achte ich immer auf symbolische Kompositionen oder Formen. Vieles davon stammt aus meiner Inspiration durch die Natur – Berge, Wälder, Teiche. 

Als Referenz kommen mir die sehr späten Wasserszenen von Monet in den Sinn: ein sich auflösender, fließender Raum, in dem es nichts gibt, woran man sich festhalten kann, außer Reflexionen und glitzerndem Licht. Du scheinst mit diesen Ideen von Impuls und Bewegung verbunden zu sein, sogar mit der Farbpalette der Impressionisten. Zu dieser Zeit waren die Impressionisten äußerst neugierig und von der japanischen Kunst inspiriert. Wie siehst du als jemand, der aus Japan kommt, diese Beziehung? 

Katsuhiko: Meine jüngsten Werke aus den letzten zwei oder drei Jahren sind stark von Monet inspiriert. Ich habe sogar sein Haus und seinen Garten besucht. Ich bin fasziniert von der Geschichte des interkulturellen Austauschs. Bis Mitte des 19. Jahrhunderts betrieb Japan Isolationismus, was den Kontakt zur Außenwelt einschränkte und die unabhängige Entwicklung einer eigenen Bildsprache ermöglichte. Nach der Öffnung des Landes im Jahr 1854 strömte westliche Kultur herein und es begann eine rasante Modernisierung – oft auf Kosten traditioneller Formen. 

In der Malerei beispielsweise gab es in Japan ursprünglich keine lineare Perspektive und keinen westlichen Realismus. Traditionelle Formen wie Ukiyo-e oder Landschaftsmalerei stellen die Welt auf sehr subjektive und abstrakte Weise dar. Als Ukiyo-e nach Paris kam, inspirierte es Monet, Van Gogh, Bonnard, Gauguin und viele andere – eine Geschichte, die wir als Japonismus kennen. Insbesondere Monets späte Seerosen nähern sich der Abstraktion. In seinen Werken spüre ich eine Weltanschauung und eine Aufmerksamkeit für die Natur, die mich tief berühren: die Vorstellung, dass der Mensch nicht von der Welt getrennt werden kann, sondern Teil von ihr ist, in ihr aufgegangen. Dies hängt mit einer animistischen Sensibilität zusammen, die tief in der japanischen Kultur verwurzelt ist. In der modernen westlichen Malerei sehe ich Anklänge an diese japanischen Weltanschauungen, Perspektiven und Spiritualitäten – und als zeitgenössischer japanischer Künstler möchte ich sie weiter ausbauen und neu interpretieren. 

Zum Schluss noch etwas zu deinem Schaffensprozess: Was ist der Ausgangspunkt, wenn du ein neues Gemälde in Angriff nimmst? Gibt es eine konkrete Vision, eine Erinnerung oder eine bestimmte Lichtstimmung oder Textur, die dich antreibt? Machst du dir Notizen oder bereitest du dich vor, bevor du an größeren Formaten arbeitest, oder entwickelt sich der Prozess während des Malens? Und woher weißt du, wann ein Gemälde fertig ist? 

Katsuhiko: Manchmal beginne ich mit einem Bild, manchmal mit gar nichts. Selbst wenn ich eine Vision habe, verändert sie sich oft im Laufe des Prozesses und wird zu etwas Unerwartetem. Eine überraschende Farbe oder Textur kann eine Veränderung auslösen, die die gesamte Richtung des Bildes verändert. Es ist schwierig zu beschreiben, was „Fertigstellung“ bedeutet, aber vielleicht ist es der Moment, in dem jedes Gefühl des Unbehagens verschwindet. Was zählt, ist, ob sich das Werk natürlich anfühlt – als etwas, das in dieser Welt existiert. Wie ich das beurteile, ist rein physisch und basiert auf Erfahrungen, die ich im Laufe der Zeit gesammelt habe. 

Von Ofir Dor 

Fotos von Johanna Maria Dietz und Sascha Bystrova