Es ist immer interessant zu erfahren, wie jemand Maler geworden ist. Könntest du etwas über deine Faszination für die Malerei erzählen? Was hat dich zum Malen gebracht? In welchem Kontext und Umfeld hast du als Maler angefangen? 

Joe: Ich habe mich in meinem Kunststudium auf Video und Performance spezialisiert, konnte mich damit aber nicht vollständig identifizieren. Da ich nicht wusste, wie es weitergehen sollte, eröffnete ich eine kleine Café-Galerie.

Ein Freund von mir wurde sehr krank, und ich hatte keine Zeit mehr, im Café Filme zu machen. Also beschloss ich, nachts mit dem Malen anzufangen, einfach um etwas zu tun und meine Gedanken zu ordnen. 

Ich konnte kaum glauben, wie sehr mich das Malen faszinierte, obwohl ich es vorher nie gemacht hatte – es wurde schnell ein Teil von mir. Ich verkaufte das Café und male seitdem durchgehend. 

Ein Freund sah, was ich gemacht hatte, und machte mich mit den Werken von William de Kooning vertraut. Das hat mich umgehauen, und meine Besessenheit wurde noch größer. Ich kann gar nicht genug vom Malen bekommen. Ich liebe es auch, die Arbeiten anderer Künstler/innen anzuschauen, egal ob öffentlich gezeigt oder nicht, ich sauge einfach alles in mich auf. 

Wenn man deiner Bilder betrachtet, sieht man Wesen, die sowohl dämonisch als auch meeresartig wirken. Sie sind in lasziven, leuchtenden und satten Farben gemalt. Könntest du etwas zu dieser Spannung sagen? Zur Dynamik zwischen dem Thema und der Materie selbst? 

Joe: Ich möchte Kunst schaffen, die die Menschen anspricht. Ich male gerne in leuchtenden Bonbonfarben, um Aufmerksamkeit zu erzeugen. Ich denke, das zieht die Menschen an. Ich verwende auch komödiantische Elemente, um die Betrachter näher heranzubringen, und hoffe, dass sich dann ein tieferes, unbehaglicheres Gefühl einstellt, aber dann ist es schon zu spät, man ist bereits involviert. 

In meinen Arbeiten geht es um das Dunkle und Helle im Leben, und ich hoffe, dass ich das vermitteln kann. Das Leben ist verwirrend. 

“ICH MAG ES, DIE ROHE MENSCHLICHE EXISTENZ ZU ERFORSCHEN, EINE GESCHICHTE, DIE TEIL DES ENTSTEHUNGSPROZESSES WIRD. DIE GLEICHEN THEMEN TAUCHEN OFT IN UNTERSCHIEDLICHEN KOMBINATIONEN AUF, BEISPIELSWEISE FIGUREN, DIE SOWOHL EINE STARRE FASSADE ALS AUCH EINE VERLETZLICHE PERSÖNLICHKEIT MIT ALL IHREN STÄRKEN UND SCHWÄCHEN ZEIGEN.” 

“ICH INTERESSIERE MICH FÜR THEMEN WIE IDENTITÄT UND GESCHLECHTERSTEREOTYPEN UND UNTERSUCHE HEUCHELEI UND DOPPELMORAL. MEINE ARBEIT BELEUCHTET AUCH UNSEREN EINFLUSS AUF DIE UMWELT UND DIE DER MENSCHHEIT INNEWOHNENDEN KONFLIKTE, DIE ÜBER DIE ZEITGENÖSSISCHE EXISTENZ, DAS KÖRPERBILD UND SEXUELLE ERWARTUNGEN HINAUSGEHEN UND INSBESONDERE DIE SEXUALISIERTE UND ERNIEDRIGENDE DARSTELLUNG VON FRAUEN HERVORHEBEN.” 

Deine Arbeiten strahlen eine starke Zerbrechlichkeit aus, die Dinge wirken wackelig, zitternd und manchmal kurz davor, auseinanderzufallen oder sich aufzulösen. Gleichzeitig spürt man eine Entschlossenheit, denn irgendwann hast du sie so gemalt und dann so belassen. Könntest du etwas über deinen Malprozess sagen? Über Verwirrung und Entscheidung? 

Joe: Wenn ich ein Werk beginne, habe ich normalerweise etwas im Kopf, das mich beschäftigt. Das kann etwas sein, das ich am Morgen beim Spaziergang am Fluss erlebt habe, etwas aus einem Traum oder aus den Nachrichten, die Leichtfertigkeit der Menschen, alte Filme, Clowns. Ich bin auch von Goyas materialistischer Philosophie beeinflusst, da sie so treffend ist. Aber das ist nur mein Ausgangspunkt, damit habe ich ein Anfangsbild.

Ein Gemälde kann meist zwischen einem und drei Monaten dauern, sodass all meine Erfahrungen in die Arbeit einfließen und ich mich dabei frage, wer wir sind und was es bedeutet, zu leben.

Ich versuche, das Gefühl, das ich am Anfang hatte, mit weiteren Schichten festzuhalten. Ich habe keine Ahnung, wie das Werk aussehen wird, bis es fertig ist und mich anschaut. 

Es erfordert Mut, sich auf eine unbekannte Szene, ein neues Gemälde einzulassen. Woran hält man fest? Wie beginnt man? Wie beendet man es? 

Joe: Früher habe ich mir darüber Gedanken gemacht, aber jetzt, nach 20 Jahren Malerei, sage ich mir am Anfang, dass es am Ende immer gut wird. Manchmal übermale ich etwas, und das kann frustrierend sein, besonders, wenn ich ein Foto vom Zwischenstand gemacht habe und später denke, ich hätte dort aufhören sollen, aber mein Herz, meine Leidenschaft, meine Unzufriedenheit ließen das nicht zu. 

Manchmal zeichne ich mit Kohle auf die Leinwand, manchmal gehe ich mit der Farbe einfach wie mit einer Kraft hinein, das gibt mir eine Verbindung. Es hängt alles von der Stimmung des jeweiligen Morgens ab. Aber ich weiß erst, dass ich fertig bin, wenn ich am nächsten Tag ins Atelier komme und denke: Ja, das ist richtig. Oft denke ich, es sei fertig, gehe glücklich nach Hause und stelle am nächsten Tag fest, dass es meiner Meinung nach völliger Mist ist. 

In FRAMED zeigst du Zeichnungen und Gemälde. Wie siehst du die Beziehung zwischen den beiden? Welche Funktion hat das Zeichnen für dich? Ist es eine Vorbereitung? Ein Mittel der Untersuchung? Eine Abkürzung? Geht die Zeichnung zurück ins Gemälde? Was passiert, wenn du die Farbe weglässt? 

Joe: Ich habe erst vor etwa acht Jahren wieder zu zeichnen begonnen. Ich hatte den Zugang komplett verloren. Ich wechselte von der linken auf die rechte Hand, und das war ein echter Durchbruch. Ich wusste gar nicht, dass ich mit meiner rechten Hand zeichnen kann. Jetzt zeichne ich hauptsächlich mit den Rechten und male mit beiden Händen. 

Manchmal kann ich eine Idee mit einer Zeichnung festhalten, wenn ich gerade zwischen zwei Gemälden bin, aber meine Zeichnungspraxis ist eine völlig andere Praxis. Ich kann eine Woche lang zeichnen, um Dinge aus meinem Kopf zu bekommen, das befreit mich, denke ich, und dann bin ich frisch und bereit für ein neues Gemälde.

Es reduziert zu halten, nur mit einem Bleistift und manchmal etwas Ölpastell, meist einer Farbe, kann es ebenfalls sehr befreiend sein. Meine Zeichnungen können meine offensten Arbeiten sein, ich in meiner rohesten Form, manchmal emotional am stärksten aufgeladen. Aber ich reibe viel weg, und über Schichten hinweg entsteht mein Ergebnis. 

Es gibt auch eine gewisse Dramatik, es fühlt sich an, als würden deine Figuren für den Betrachter spielen, exhibitionistisch und doch schüchtern… manchmal maskiert (ich denke dabei an „Bubblegum Base“, das ich liebe). Wie siehst du das? Das dramatische Element, das Publikum, die Performance? 

Joe: Ich denke, das ist jedes Mal anders. 

“DIE PERFORMANCE SIND DIE LÄCHERLICHEN ODER GROTESKEN SITUATIONEN, DIE IM LEBEN AUFTRETEN UND MIT DENEN DIE MENSCHEN DURCHKOMMEN. DIE MASKIERTEN FIGUREN VERBERGEN NORMALERWEISE ETWAS ODER GLAUBEN ZUMINDEST, DASS SIE ES TUN, ABER FÜR DEN BETRACHTER IST ES OFFENSICHTLICH, DASS SIE ETWAS IM SCHILDE FÜHREN.” 

Bei FRAMED haben wir uns darauf spezialisiert, visuelle Kunst und Musik gleichzeitig zu zeigen und so gemeinsame Elemente wie Komposition und Harmonie hervorzuheben. Was hältst du von der Musikalität deiner Arbeit? (falls du das tust..) Oder von einer möglichen Beziehung zur Musik? 

Joe: Für mich ist das alles dasselbe. Musik ist die Poesie des Lebens. Ich war schon immer in irgendeiner Band. Vor Jahren habe ich Gedichte von Kurt Schwitters mit meiner eigenen Melodie und Musik kombiniert und sie in seiner berühmten Merz-Scheune in Elterwater im Lake District in Großbritannien aufgeführt. 

Was mein Studio betrifft, arbeite ich immer mit klassischer Musik und Opern im Hintergrund. Wenn ich spüre, dass ein Bild fast fertig ist, lege ich Kate Bush oder PJ Harvey auf, wie eine kleine Feier, und tanze im Atelier. Zum Glück sieht mich niemand…

Von Ofir Dor